Emily Mason wist het belang van het documenteren van een leven, met name het leven van een kunstenaar. De eerste keer dat ik haar ontmoette, was toen we een monografie aan haar moeder samenstelden, de abstracte kunstenaar Alice Trumbull Mason. “Dit boek is opgevat als een eerbetoon aan het leven van mijn moeder en een bewijs van het doorzettingsvermogen van haar innerlijke kern,” schreef Mason in het voorwoord. Ze stierf in december 2019, vijf maanden voordat het boek over haar moeder werd gepubliceerd. Soms voelt het alsof Mason tegelijkertijd de basis heeft gelegd Voor het maken van een boek over haar, een die idealiter voelt als een uitbreiding van de kunstenaar, zelfs in haar afwezigheid.
Mason, geboren in 1932 in Manhattan, was een product van de kunstscene van New York. Ze groeide op met schilderen in de uptown -studio van haar moeder en absorbeerde de gesprekken en ideeën van de vrienden en collega -artiesten van haar moeder: Elaine en Willem de Kooning, Josef Albers, Ray Johnson, om er maar een paar te noemen. Net als Alice Trumbull Mason, koos Emily Mason ervoor om abstracte kunst te maken, hoewel van een heel ander soort – terwijl haar moeder zorgvuldig geplande geometrische schilderijen maakte, waren de schilderijen van Mason intuïtieve kleur wasbeurten. Deze artistieke afkomst maakte op zoveel manieren indruk op Mason, maar wat mij opvalt, is haar geërfde drive om haar visie na te streven, ongeacht de ontvangst ervan. Met andere woorden, ze was toegewijd aan haar werk.
Sapphire -pool, Emily Mason.
Zoals Barbara Stehle in haar niets minder dan het baanbrekende essay voor dit boek opmerkt, waren er enkele nadelen aan Mason die opgroeide tussen zulke grote persoonlijkheid – artisten – ze moest uitzoeken hoe ze haar weg kon snijden. Steadfast, Mason ontwikkelde vroeg haar eigen artistieke taal, één geworteld in haar benadering van kleur. Ze mengde haar olieverf rechtstreeks op het canvas en onthield zich van het gebruik van wit of zwart om haar kleuren te veranderen. Elk kunstwerk evolueerde naar een briljant lappendeken, het resultaat van “een reeks bewegingen, zoals een schaakspel”, zoals Mason het uitdrukte.
Het keerpunt voor Mason gebeurde op de leeftijd van twintig, toen ze een zomer doorbracht op de Haystack Mountain School of Crafts in Maine. Ze verwees vaak naar de cruciale dag toen Jack Lenor Larsen, de oprichter van de school, kleurrijke strengen wol hing en illustreerde hoe de ene kleur een andere kon opblazen en transformeren door simpelweg naast elkaar te zijn. Het feit dat Mason de zaden van haar zicht heeft getraceerd tot een les in ambacht, is geen toeval – ze behandelde verf als een materiaal, op dezelfde manier als ze garen zou behandelen. “Het is geen overdrijving om te zeggen dat Emily Mason een van de weinige Amerikaanse schilders is die volledig is verbonden in het vroege pedagogische leven van de studio -ambachtelijke beweging in de jaren 1950 en 1960,” schrijft Jenni Sorkin in haar ingesloten essay. Sorkin legt uit hoe de relatie van Mason met Craft haar niet alleen onderscheidt uit de afstamming van haar moeder, maar ook van haar eigen tijdgenoten.
IT voelt alsof Mason tegelijkertijd de basis legde Voor het maken van een boek over haar, een die idealiter voelt als een uitbreiding van de kunstenaar, zelfs in haar afwezigheid.
Net als meer kunstenaars dan het historische record is geneigd toe te geven, behoorde Mason niet netjes tot een kunstbeweging – en ze was wrok toen ze werd gevraagd om er een te kiezen, wat vaak betekende om abstract expressionisme te kiezen. De kunstcriticus David Ebony, die dichtbij Mason was en het eerste boek over haar kunst in 2006 produceerde, zegt dat hij hier vaak over sprak met de kunstenaar – hoe ze “niet echt in een categorie paste”, en hoe ze “daar heel veel tevreden mee was”.
Dit is een van de vele speciale anekdotes die Ebony deelt in een rondetafelgesprek dat is gepubliceerd in Emily Mason: Onbekend bij Mogelijkheid Met kunstenaars Nari Ward (een voormalige student van Mason’s), Carrie Moyer en Steven Rose, die ook directeur is van de Emily Mason en Alice Trumbull Mason Foundation. In de loop van deze levendige uitwisseling horen we ze nadenken over de erfenis van Mason en herinneringen op aan hoe ze was als een persoon, collega en leraar – ze werd een belangrijke wedstrijd aan het Hunter College, waar ze meer dan dertig jaar les gaf, en stond bekend om het inspireren van haar studenten om te experimenteren. “(Ze) heeft iets in mij gewekt voor dit idee om mijn eigen aanpak uit te vinden in plaats van na te denken over wat de juiste manier is om iets te doen,” zegt Ward.
Een van de rijkste verkooppunten van Mason voor experimenten zat eigenlijk in haar prints, waarbij kleuren werden gelaagd die dezelfde transparante kwaliteit van haar oliën bevatten. “Ze zijn als schilderen in blokjes,” merkt Moyer op. En inderdaad, Mason zag haar prints als ‘gedrukte schilderijen’, op hetzelfde vlak als haar oliën. Net als veel andere kunstenaars compartimenteert ze haar media niet; Schilderijen, prints en oliën op papier waren allemaal in gesprek met elkaar. Het platengedeelte in de monografie benadrukt dit in prachtige, resonerende combinaties gekozen door Steven Rose.
Net als bij haar schilderijen was Mason blij met het ietwat onvoorspelbare karakter van het maken van prints – hoe ze nooit volledig kon weten hoe het beeld eruit zou zien na het doornemen van de pers. Voor Mason zijn haar beste werken – across mediums – van het afwijzen van controle, waardoor ze een “leiding” voor het onbekende kan worden. In haar essay beweert Stehle overtuigend dat van alle mensen die Mason tegenkwam in de New Yorkse scene in haar jeugd, John Cage een van de meest invloedrijke was, met name zijn gezegde “word uit de weg”, dat een soort mantra voor haar werd. “Mason, net als Cage, cultiveerde de kunst van loslaten,” schrijft Stehle. Het is in deze geest dat we aankwamen bij de ondertiteling van dit boek: “Onbekend tot mogelijkheid”, de titel van een geel schilderij uit 2012 dat Mason uit een gedicht van Emily Dickinson haalde, haar naamgenoot:
Wat ik kan doen – ik wil …
Hoewel het klein is als een narcis-
Dat kan ik niet – moet zijn
Onbekend voor de mogelijkheid –
Dit vers destilleert veel van de kunst en persoon van Mason: open, bescheiden, verstrikt door de natuur. Want terwijl ze haar hele leven in New York bleef, bracht ze ook de zomers van haar laatste vijftig jaar door in Brattleboro, Vermont. Haar studio was een hergebruikte kippenhok, de brede deuren openen altijd voor de bomen. “Het was alsof ze in de natuur schilderde”, schrijft Stehle. “De nabijheid heeft haar werk doordrenkt.”
“Waarom is ze niet meer beroemd?” Criticus Jackson Arn vraagt Mason in een stuk uit 2024 in de New Yorkerhaar prijzen als “een van de meest verrukkelijke post-nieuwe York School Abstract Painters”, evenals “de meest onderschatte.” Toen ik deze openingszinnen van het stuk van Arn las, kon ik het niet helpen, maar bedenken wat ook is gezegd van Alice Trumbull Mason. “Ik zal beroemd zijn als ik dood ben,” zei de kunstenaar zelf altijd. Beide werden geconfronteerd met hindernissen als vrouwelijke kunstenaars, evenals kunstenaars die in hun tijd impopulaire vormen van abstractie kiezen. En terwijl Mason en haar man een rijke relatie van creatieve uitwisseling hadden, had zijn carrière uiteindelijk voorrang op de hare. Het is een triest patroon om deze monografieën alleen te zien gepubliceerd na de dood van de kunstenaars. Maar hoewel we het verleden niet kunnen veranderen, kunnen we de toekomst beïnvloeden door hun verhalen te blijven vertellen, door hun opmerkelijke leven te documenteren zoals ze wilden en verdienden.
__________________________________
Vorig artikel
Hoe een hartaanval TryMaine Lee hielp betekenis te vinden in zwarte overleving
Volgende artikel
Hoe het damesorkest van Auschwitz de doodskampen overleefde
