De Franse modernistische schilder Georges Rouault (d. 1958) was uniek onder de 20e-eeuwse meesters in zijn toegewijde streven naar religieuze beelden in zijn etsen, tekeningen en schilderijen gedurende vele decennia. Zijn tijdgenoten (als ze überhaupt gelovigen waren) richtten zich zelden rechtstreeks op geloof in hun kunst. Het is niet zozeer dat religieuze kunst taboe of verouderd was geworden, maar sommigen hebben theoretiseerd, maar dat kunst in veel verfijnde Europese kringen religie had vervangen als een plaats van transcendentie. Ontmoetingen met artistieke genie werden de nieuwe grens van spirituele verbeelding voor de intelligentsia. Ondanks de wijdverbreide afwijzing van heilige beelden, stond Rouault achtervolgd op het nastreven van bijbelse thema’s samen met theologisch rijke onderwerpen. Tegelijkertijd hadden kerken grotendeels opgehouden met het instellen van grote kunstwerken en genoegen genomen met kitsch of sentimentele beelden – het effectief verbannen van serieuze kunstenaars en hun gaven uit het heiligdom.
Rouault werd getraind door en werkte als een leerling onder, Gustave Moreau – een belangrijke figuur in de Parijse kunstwereld in de late 19e eeuw. Moreau wordt geassocieerd met de symbolisten, die expliciete religieuze beeldspraak vermeden en eerder op dromen en fantasie trokken, de gotische, de fantastische en de mythologische – een beweging geleid door figuren als Arthur Rimbaud en Charles Baudelaire in de literaire wereld en Paul Gauguin en Odilon Redon in de kunstwereld.
In de workshop van Moreau werden veel seculiere commissies, publiek en privé, verkregen – en Rouault had de kans om aan verschillende belangrijke te werken, al zijn master’s technieken te leren en een reeks traditionele teken- en schildervaardigheden te ontwikkelen. Maar hij verlangde naar een grotere betekenis – een duidelijkere connectie met zijn geloof in Christus en een meer relevante beelden die de malaise van de tijd zouden kunnen aanpakken. Hij zocht een kunst die zou kunnen wijzen op de hoop op het evangelie opnieuw te midden van vreselijk lijden veroorzaakt door de Eerste Wereldoorlog.
Gezien zijn wens om een hedendaags visueel idioom te vinden voor het heilige, vertrok Rouault geleidelijk van zijn training in ‘realistische’ representatie – traditionele illusionistische weergave – en begon expressiever te schilderen, werkzaamheden te werken en te herwerken tot schilderijen en etsen op keer tot ze een scheurt van emotioneel gewicht verwierven. Voordat een Rouault -schilderij iets heel anders is dan het in een boek, op een computerscherm of in digitale reproducties te zien. Het oppervlak van zijn schilderijen onthult een dik opgebouwde topografie van borstelsporen-zeker markeer een record van een eerlijke, oprechte zoektocht naar zowel betekenis- als passende vorm.
In de Miserere (heb genade) serie, Rouault’s Magnum Opus van meer dan 50 etsen (oorspronkelijk getiteld Miserere et Guerre—Referrerend tegen de gruwelen van WOI), richt de kunstenaar het eeuwige menselijke dilemma van sterfelijkheid, lijden in deze wereld en de zoektocht naar hoop en verlossing. Het onderwerp in deze prachtige reeks prints varieert van pelgrims tot prostituees; van Memento Mori (“Denk aan de dood”), aan circus -persoonlijkheden, tot beelden van Jezus: de gekruisigde, de verheerlijkte, de opgestane redder. De kunstenaar werkte over een periode van 30 jaar aan dit pakket van prints.
In de olieverfschilderijen van Rouault variëren de onderwerpen van circusartiesten en straatmensen tot scènes uit het leven van Christus, de Maagd Maria en andere bijbelse onderwerpen. Vaak wijzen zijn werken naar het onrecht dat door marginale mensen wordt geleden – vrouwen gedwongen tot seksuele slavernij, berooide bedelaars, straatopvallen, clowns, de ouderen en de vele verarmde inwoners van de moderne stad. Rouault heeft deze mensen altijd met waardigheid en een liefdevolle aanraking geschilderd en hen nauw samengaat met Christus Zelf, zoals in de beroemde passage uit Mattheüs 25: “Als je het tot het minst hebt gedaan, heb je het tot mij gedaan.”
Het gebruik door de kunstenaar van heldere, verzadigde kleur ingesloten door een zwarte lijn-in opzettelijk vereenvoudigde en dik geverfde vorm-haalt uit zijn jaren die werken voor een ontwerper van glas in lood en van zijn werk voor een juwelier die cloisonné-sieraden heeft gemaakt-een techniek met felle glazels waar de duistere kiezers rond worden gericht.
Op een persoonlijke noot, toen ik midden jaren zeventig op het kunstcollege was, werd ik getraind in klassieke figuur schilderen en rigoureuze tekening-anatomie voor de kunstenaar, het perspectief en een algehele traditionele benadering van kunst. Toch had ik, net als Rouault, een verlangen naar meer dan alleen vaardigheid in het weergeven van optredens. Ik wilde de liefde van God en het mysterie van de incarnatie communiceren. Toen ik voor het eerst moderne kunst tegenkwam, was ik diep sceptisch. Waar was de vaardigheid? Waar was de schoonheid? Waarom waren kunstenaars schijnbaar pervers in hun wending van de traditie? Maar in Rouault vond ik een collega-gelovige die desalniettemin leek te omarmen van het experimenteren en het zoeken naar kunst uit de 20e eeuw-maar wilde niet alleen niet alleen de optredens van de wereld opnemen, maar ook zijn verdorvenheid, lijden en potentieel voor liefde en verlossing. In Rouault’s dieprode roden en blues, in zijn beelden van kinderlijke eenvoud en gelijktijdige zwaartekracht, vond ik een diepe betekenis. Ik vond ook “toestemming” om af te wijken van het opnemen van de loutere externe oppervlakken van dingen en om het landschap van het hart en de geest te verkennen.
Deze trouwe Franse schilder had voor mij een spoor voor mij als een jonge geloofskunstenaar gebracht. Ik ben sindsdien niet meer van dat pad vertrokken-een pad van waarheid vertellen en eerlijkheid, van hoop, redding en kinderlijk vertrouwen in de ware meester, Jezus Christus aan wie alle glorie is.
